À partir du XIII^e siècle, Bruges devint une métropole marchande dotée d’une grande force d’attraction. De nombreuses maisons de commerce internationales ainsi que la cour de Bourgogne s’y installèrent. D’où le développement d’une industrie du luxe florissante, qui servit de terreau à l’épanouissement d’un nouveau courant en peinture : les Primitifs flamands.

Jan van Eyck, Robert Campin et Rogier van der Weyden en furent les pères fondateurs. Leur style se caractérise par un grand réalisme des détails, beaucoup d’attention pour le rendu des matières et des paysages et l’utilisation de couleurs éclatantes. La minutie des détails et la somptuosité des textures nous stupéfient encore aujourd’hui.

Les artistes pouvaient obtenir cet effet grâce à l’emploi de la peinture à l’huile. La technique était déjà connue précédemment, mais le talent de ces maîtres l’a portée à un niveau de virtuosité sans précédent. Ce qui leur a valu une renommée internationale déjà de leur vivant.

Ce corbeau faisait partie de la façade gothique de l’hôtel de ville de Bruges. Les corbeaux de l'hôtel de ville ont pris forme entre 1376 et 1379, dans l’atelier de Jean de Valenciennes, un talentueux sculpteur du Hainaut. Depuis les travaux de restauration du XIX^e siècle, 26 corbeaux originaux font partie de la collection du musée. Sur la façade de l’hôtel de ville, ils ont été remplacés par des copies. Leur programme iconographique est varié et fait référence à des figures religieuses et mythologiques, des légendes, des satires et des représentations populaires.

Ce corbeau faisait partie de la façade gothique de l’hôtel de ville de Bruges. Les corbeaux de l'hôtel de ville ont pris forme entre 1376 et 1379, dans l’atelier de Jean de Valenciennes, un talentueux sculpteur du Hainaut. Depuis les travaux de restauration du XIX^e siècle, 26 corbeaux originaux font partie de la collection du musée. Sur la façade de l’hôtel de ville, ils ont été remplacés par des copies. Leur programme iconographique est varié et fait référence à des figures religieuses et mythologiques, des légendes, des satires et des représentations populaires.

Cette Vierge à l’Enfant est une copie d’après une composition disparue du Maître de Flémalle (Robert Campin) de Tournai. Le panneau a probablement été réalisé à la fin du xv^e siècle par un peintre bruxellois. La toile rouge marquée de plis derrière la Vierge et le coussin en brocart d’or sont des ajouts du copiste. Le fruit dans les mains de l’Enfant symbolise la victoire du Christ sur le péché originel.

Dans les ateliers de peinture du XV^e siècle, il était courant d’assembler des motifs existants pour en faire de nouvelles compositions. Ce tableau est une fusion d’éléments issus de deux compositions de Rogier van der Weyden. C’est une des nombreuses Vierges à l’Enfant – au moins cinq – qui sont attribuées à celui que l’on surnomme le Maître au Feuillage brodé. Il doit son nom d’emprunt à la façon répétitive dont il a peint les feuilles et le brocart d’or, comme s’il s’agissait de points de broderie.

Le duc de Bourgogne est coiffé du chaperon typiquement bourguignon. Sur son pourpoint de velours à col de fourrure, il porte le collier de la Toison d’Or, l’ordre de chevalerie qu’il a fondé en 1430. Le prototype de ce portrait d’apparat, dont il existe plusieurs versions, a sans doute été peint par Rogier van der Weyden. Ces portraits officiels circulaient dans les Pays-Bas bourguignons et étaient donnés en cadeau.

Plusieurs versions de cette composition sont connues. Rogier a sans doute peint l’original pour la chapelle de la guilde de saint Luc à Bruxelles. L’évangéliste Luc, saint patron des peintres, dessine à la pointe d’argent le portrait de Marie et de l’enfant Jésus. Ses attributs se trouvent dans son atelier à droite : un livre et un bœuf. Le superbe paysage arrosé par un cours d’eau est tributaire de Van Eyck et est un exemple précoce de la peinture flamande de paysage.

La peinture est un art noble. Un art divin même : tel semble être le message de ce panneau. Rogier van der Weyden est l’auteur de la composition. Avec Jan van Eyck, il compte parmi les plus grands Primitifs flamands. L’original de cette œuvre a été peint par Van der Weyden pour la chapelle de la guilde de Saint-Luc dans la cathédrale de Bruxelles, la ville où il a vécu et travaillé. Saint Luc était le saint patron des peintres.

Saint Luc, médecin et auteur d’un des quatre évangiles, est l’un des personnages du tableau. C’est l’homme en rouge qui s’agenouille devant Marie pour dessiner son portrait à la pointe d’argent. Pendant ce temps, Marie donne le sein à l’enfant Jésus. Remarquez la splendeur de sa robe. À l’extrême droite, nous voyons le cabinet de travail de saint Luc, avec à l’intérieur un livre et un bœuf, son attribut habituel dans l’art.

La scène semble parfaitement réaliste, notamment en raison de ce que nous voyons à l’arrière-plan : un jardin clos, d’où deux personnes admirent le paysage traversé par un cours d’eau. Mais réaliste, elle ne l’est bien sûr pas. Elle illustre une légende du vi^e siècle, selon laquelle Marie serait apparue à saint Luc, qui aurait fait son portrait. Voilà pourquoi saint Luc est devenu le saint patron des peintres. Certaines représentations de Marie lui étaient même attribuées…

Nous connaissons plusieurs versions de ce chef-d’œuvre, qui sont disséminées un peu partout dans le monde. Leur nombre est sans doute dû à la popularité du sujet.

Le chanoine brugeois Joris van der Paele commanda cette œuvre pour décorer sa tombe dans l’église Saint-Donatien, où il fit aussi dire des messes. Son saint patron, saint Georges, recommande le chanoine malade à Marie et Jésus. Face à lui se tient saint Donatien, le saint patron de l’église. Le réalisme des détails et le rendu des matières de Van Eyck sont stupéfiants, tout comme les reflets sur la cuirasse et le casque de saint Georges. L’intérieur d’église représenté s’inspire peut-être de l’église Saint-Donatien aujourd’hui disparue.

Un réalisme stupéfiant : voilà ce qui a rendu Jan van Eyck célèbre, et à juste titre. Ce panneau est son deuxième plus grand chef-d’œuvre – après L’Agneau mystique de Gand. On ne se lasse pas de le regarder tant on y découvre continuellement de nouvelles choses. Ajoutons que le cadre avec le texte est d’origine !

Nous sommes en 1434. Joris van der Paele, le vieil homme agenouillé en surplis blanc, est gravement malade. Ce chanoine brugeois de l’église Saint-Donatien a derrière lui une longue carrière au Vatican. Il fait une donation à son église Saint-Donatien : des messes y seront célébrées, et Jan van Eyck réalisera cette œuvre pour la tombe de Van der Paele. Les gens se souviendront ainsi de lui.

Le chanoine a ôté ses binocles – on peut voir à travers les verres de lunettes ! Derrière lui, son saint patron, saint Georges, le recommande auprès de Marie et Jésus. Regardez les reflets sur l’armure et le casque de saint Georges ! En face de lui se tient saint Donatien, le patron de l’église, qui a au demeurant été détruite vers 1800. Observez sa somptueuse chape en brocart d’or avec les figures des apôtres. Au milieu, Marie et Jésus trônent devant un baldaquin en brocart. Le tapis d’Orient devant eux a des bords effilochés.

Nous sommes dans une église et Marie est assise à l’emplacement de l’autel, l’endroit où la mort et la résurrection de Jésus sont célébrées pendant l’eucharistie. C’est de cette façon que le Christ a délivré l’humanité du péché originel d’Adam et Ève. Vous voyez ceux-ci sur le trône de Marie, en dessous des représentations de Caïn et Abel et de Samson et le lion. Les chapiteaux des colonnes sont aussi décorés de scènes de l’Ancien Testament.

Nous admirons le réalisme stupéfiant de Van Eyck. En même temps, nous contemplons l’œuvre d’un intellectuel croyant. Et nous découvrons une vision spirituelle, celle du chanoine à qui apparaissent Marie, Jésus et les deux saints. Les yeux du peintre Jan van Eyck en ont fait un tableau temporel.

Du 4 au 18 janvier 2021, l’Université d‘Anvers soumettra le tableau Madone au chanoine van der Paele de Jan van Eyck à un examen par diffraction macroscopique des rayons X sur poudre, en abrégé MA-XRPD. Cet examen permet d’identifier les structures cristallines et, ainsi, d’arriver par exemple à déterminer quels pigments Van Eyck a exactement utilisés dans sa peinture.

Dans la vidéo ci-contre, vous découvrirez comment cela se passe.

« Mon époux Jan a terminé mon portrait le 17 juin 1439. J’avais 33 ans. » Voilà ce que nous pouvons lire en latin sur le cadre. Le tout suivi de la devise de Jan van Eyck : « Als ich can » (du mieux que je peux). Madame Van Eyck nous regarde avec insistance. Sa robe est bordée de fourrure d’écureuil et sa coiffure à cornes ornée de dentelle. Après la mort de Jan, elle a continué à diriger son atelier brugeois pendant quelques années.

F :

« Mon époux Jean a terminé mon portrait le 15 juin 1439. J’avais 33 ans. »

M :

Voilà ce qui est écrit en latin dans le haut et le bas du cadre de ce portrait. Suivi de « Als ich can », du mieux que je peux, la devise du peintre Jan van Eyck. La femme représentée ici est son épouse Margareta. C’est le plus ancien portrait connu d’une femme d’artiste. Il avait probablement pour pendant, à droite, un portrait de Jan van Eyck lui-même.

Est-il encore besoin de souligner l’incroyable réalisme du portrait de Margareta ? L’arrière-plan sombre fait que toute notre attention se concentre sur elle. Elle porte le regard en dehors du tableau, pour nous regarder nous, spectateurs. À l’époque de Van Eyck, l’art du portrait est un genre nouveau. Avec un portrait comme celui-ci, Jan van Eyck donne le ton. Les peintres européens qui viennent après lui connaissent les portraits du maître.

Margareta pose dans une élégante robe de laine bordée de fourrure d’écureuil, avec sur la tête une coiffure que l’on appelle escoffion, agrémentée de dentelle. L’artiste Van Eyck a incontestablement voulu affirmer le statut social de son épouse – et par là le sien. L’usage du latin le confirme. Ce portrait n’a donc rien d’un cadeau intime offert par le peintre à sa femme à l’occasion de son anniversaire ou de leur mariage.

1439. Deux ans plus tard, Jan van Eyck décède. Sa veuve Margareta continuera de diriger pendant quelques années son atelier brugeois, sans doute avec l’aide du frère de Jan, Lambert.

La scène du Calvaire est comprimée dans les proportions étroites du panneau. Le fond doré et l'accumulation d'auréoles d'or confèrent à la scène un caractère précieux et solennel. L'homme qui regarde vers le haut est directement inspiré du panneau de droite de la "Descente de croix" perdue du Maître de Flémalle -Robert Campin- (Städelsches Kunstinstitut, Francfort). Le contraste important entre le plan doré sans espace de l'arrière-plan et les figures et objets sculpturaux et réalistes du premier plan est également redevable à Flémalle.

Le peintre anonyme a été nommé d'après une peinture votive commandée par l'abbé Wolfhard Strauß pour son monastère St Emmeran à Regensburg (Allemagne).

Ce petit panneau peut être rapproché de l’atelier de Jan van Eyck. L’examen dendrochronologique (examen des cernes du bois) permet de dater le support en chêne de 1387. La petite œuvre doit par conséquent avoir été peinte encore du vivant de Van Eyck ou peu après sa mort en 1441. La composition s’inspire de plusieurs œuvres de Van Eyck, entre autres la Vierge au chanoine Joris van der Paele. L’artiste anonyme, probablement originaire d’Allemagne, doit donc avoir eu accès aux dessins de l’atelier de Van Eyck ou y avoir lui-même travaillé quelque temps.